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October 28 , 2011

Reviews of the Week

Enrico Rava´s Tribe receives a 5-star review from John Fordham in The Guardian: "There's probably some arcane formula that proves the presence of trumpeter Enrico Rava, trombonist Gianlucca Petrella and young pianist Giovanni Guidi on the same session equals five stars. Petrella and Guidi made the fine We Don't Live Here Anymore album earlier this year, and this sextet with Rava – for many years one of Miles Davis's most authoritative disciples – creates an enchanting album of luxuriant brass textures, alluring ballads, bursts of twisting postbop and memorable soloing. There are slow-shifting songs that turn with a Kenny Wheeler-like poignancy or Carla Bley´s wry romanticism, trumpet solos over quietly hustling backdrops, blustery free-jazzy episodes and samba-like sleepwalks. Rava's high sounds and Petrella's voice-like phrasing combine with a spellbinding melody to make Tears for Nada a gorgeous contemporary-jazz ballad, while the title track is unexpectedly funky, and Guidi plays like an abstract Herbie Hancock."
In Jazzwise Duncan Heining writes: "With Tribe he has achieved its apotheosis, for the compositions and performances here achieve a breadth of content and mood that touches upon the divine. I´m not going to single out particular tracks - what is important is the flow and unfolding of musical ideas. One hears echoes of both Rota and Morricone, those two Italian giants of film composing. One catches glimpses of the music of the Balkans and North Africa that was washed up on Italy´s shores over the centuries and of the Italian brass band tradition. That one hears all this filtered through a sensibility shaped by Miles and Ornette is but a further tribute to Rava. This may well be his best record yet."
Also in French Jazzmag, Pascal Anquetil about the album: "A 72 ans, il n’a plus rien à prouver, mais tout à donner. Son moteur, c’est l’étonnement. La griffe de la jeunesse. Dès qu’il remarque une pousse d’avenir, son reflexe est de l’inviter à rejoindre son quintet où brille toujours ce nouvel as de la coulisse qu’est Gianluca Petrella. (...) Après le départ de Stefano Bollani, la surprise vient ici de l’arrivée d’un pianiste de 26 ans, Giovanni Guidi. Un nom à vraiment retenir. Comme dans ses précédents albums ECM, Enrico joue aujourd’hui la carte du lyrisme apaisé, célébrant, sans pathos ni narcissisme, avec une force sereine et une tranquille urgence, le triomphe du bel canto dans tous ses éclats. Avec cette sonorité bleue, ourlée d’émotion sensuelle, il sait donner à sa trompette ce grain de voix magique immédiatement identifiable. (...) Mais les merveilles de `Tribe´ sont des originaux. Comme `Incognito´, méditation envoûtante, lente et longue de dix minutes avec un Petrella éblouissant. Mais aussi `Song Tree´ pour son orientalisme minimaliste, `Paris Baguette´ pour sa nostalgie suavement gouailleuse et surtout `Tears for Nada´, déchirante mélodie toute simple qu’on s’empresse de réécouter dès la première écoute. C’est là que se cache tout le mystère du ravissement Rava."

In today´s Süddeutsche Zeitung, Volker Breidecker applauds Dino Saluzzi´s concert at the Enjoy Jazz Festival: "Durch sein freimütiges Bekenntnis zum `Anderen´ des Jazz umgehen Name und Programm dieses Publikumsmagneten (...) ganz elegant die Frage, was es im Jazz denn Neues, ob es da noch Entwicklung gäbe, oder ob dort alles nur noch Retro und Reprise, allenfalls noch `Fusion´ wäre. Im Fall des argentinischen Musikers, Komponisten und Arrangeurs Dino Saluzzi - eines Altmeister des Bandoneon - richtet sich diese Frage ans äußerste Spektrum des Anderen: Denn Saluzzis Tango ist kein Tango, sein Jazz ist kein Jazz, und seine `E-Musik´ oder sogar `Neue Musik´ ist genauso wenig `E-Musik´ oder `Neue Musik´, wie seine Folklore und `U-Musik´ keine Folklore und auch keine `U-Musik´ ist. Was aber ist es dann? Gelegenheit, die Antwort zu erlauschen, bot das Konzert, das Dino Saluzzi im Trio mit seinem Bruder, dem Saxophonisten und Klarinettisten Felix, und mit seiner langjährigen Kollaborateurin, der wunderbaren Cellistin Anja Lechner am Montag vor dem Altar der Heidelberger Providenzkirche gab - in dem er auch sein neues Album mit dem weihnachtlichen Titel Navidad de los Andes vorstellte. Titel daraus wie `Ronda de ninos en la montana´, `Son qo´nati´ und `El vals de nosotros´ machten deutlich, wie die liedhaften Arrangements des 1935 im Hochland der Provinz Salta (...) geborenen Geschichtenerzählers an die Orte seiner Kindheit und seiner frühesten Musikerfahrungen zurückschweiften: Saluzzi und seine Brüder waren ohne Grammophon, ohne Radio, ohne Strom aufgewachsen. Kinderreigen, volkstümliche Tänze und Lieder, mündlich aus der Hauptstadt zugeflogene, von Mund zu Mund, von Instrument zu Instrument weitergegebene Töne und Melodien blieben das Material seiner musikalischen Anfänge und Neuanfänge. So hält Dino Saluzzi alle Fragen nach der Definition seiner Musik für Zeitverschwendung, die ihn davon abhielte, Musik - einfach - zu machen. Immer wieder wandte er sich an sein Publikum mit Worten, die freilich so leise waren und ähnlich liedhaft klangen wie die Töne, die er aus dem Bandoneon zauberte. Unterdessen wanderten seine Augen wie die eines blinden Sehers - alias eines Sängers und Poeten - unruhig, wie suchend gegen den Himmel, tasteten die Decke des Kirchensaals ab, bis sie dort offenbar etwas fanden, was der Musiker dann mit einem erstaunten Lächeln und stummen Lippenbewegungen seinen Mitspielern kundtat, die es an ihre Instrumente weitergaben und in neuen Verwandlungen virtuos wieder aufklingen ließen - ein andauernder Dialog der Gaben, Gegengaben und Weitergaben. Und es war an diesem Abend, als wäre man bei der Geburt der Musik dabei gewesen."
And in All About Jazz, John Kelman hails the "empathically close" collaboration between brothers Dino and Felix Saluzzi and German cellist Anja Lechner as a "perfect trifecta": "While not suggesting there isn't detailed writing at play, Saluzzi relies more completely on the trio's intrinsic chemistry and shared language, and the glorious combined timbre of this uniquely well-matched set of instruments; the combination of air-driven reeds and bowed strings creating a wondrous single voice, while bandoneon and saxophone conjoin for as seamless a marriage here as Norwegian saxophonist Trygve Seim did with accordionist Frode Haltli on Yeraz (ECM, 2008). With Felix loosely representing the folk and jazz traditions and Lechner a more classical frame of reference, bandoneonist Dino has formed a perfect trifecta, pushing and pulling what is, at times, an equilateral triangle, at other times, one far more weighted towards specific concerns—and, at times, within the confines of a single composition. "Gabriel Kondor" begins unequivocally in folklore, with Saluzzi's bandoneon alone evoking its cinematic imagery of a small town at the foot of the Andes, but when Lechner enters, the rich tonality of her cello somehow moves the image somewhere less rural. Elsewhere, the medley of Saluzzi's "Candor" with "Soledad," written by singer/songwriter/actor Carlos Gardel—a prominent figure in the history of the tango—wears its heart more decidedly on its sleeve, with Felix's tenor saxophone a mellifluous counterpoint to his brother's unerring sensitivity, while Lechner's quiet sound of fluttering wings and gentle whistles begins "Flora De Tuna" in gentle stasis, its stronger melody gradually culminating in a delicate intertwining of clarinet, cello and bandoneon, ebbing and flowing like a slow journey through a sub-Andean forest. As Saluzzi and his partners blur the line between form and freedom, Navidad de los Andes´cinematic narrative unveils over the course of an hour, moving from a heightened sense of perception to places where the barest of whispers bears greater import. Astor Piazzolla popularized the bandoneon and brought tango into a modern age, but it's Saluzzi who's given the broader Argentinean tradition a more expansive stylistic purview; only when drawing together his entire ECM discography, beginning with 1983's solo Kultrum, is his importance fully revealed. A significant signpost along the way, Navidad de los Andes is another compelling addition to the septuagenarian bandoneonist's still unfolding oeuvre."

Jazzthing devotes the cover story to Chick Corea and his new duo album Orvieto with Stefano Bollani where they "tell a story with four hands". Wolf Kampmann writes further: "Sie erschaffen eine Welt der Klänge, für die sie vertrautes Terrain verlassen müssen. Beide beherrschen die hohe Kunst der poetischen Reduktion. Bei diesem Live-Mitschnitt nehmen sie sich so weit zurück, dass ihr persönlicher Stil sich bestenfalls noch wie ein fernes Echo unter die Stücke mischt. Hin und wieder taucht da etwas Vertrautes aus den Fantasien auf, meist dann, wenn man es am wenigsten vermutet. Ihre Exkurse sind gleichermaßen sachlich wie schwärmerisch, offensiv wie introspektiv."

In Basler Zeitung, Sigfried Schibli refers to Keith Jarrett as the "shaman with 88 keys" and shares the audience´s enthusiasm for Rio: "Die Begeisterung ist nachvollziehbar und strahlt als neue Spielfreude und neue Leichtigkeit auf die Improvisationen von Keith Jarrett zurück. Tatsächlich klingt vieles auf `Rio´ (...) weniger vergrübelt, weniger depressiv versunken und mystisch verrätselt als vom Improvisationsgenie Jarrett gewohnt. Auffällig ist die Bevorzugung der hohen Klavierlagen, bemerkenswert die Lust am Dreiklang, ob akkordisch oder gebrochen. Das klingt heller, entspannter, heiterer als vieles Frühere von Keith Jarrett. (...) Auf `Rio´ gibt es im ersten Stück eine Art Fugato. die Quartenakkorde im zweiten Stück riechen ebenso nach Debussy wie nach Jazz. Im dritten Track lässt sich der Meister von einem ostinaten Bassmotiv tragen und beflügeln wie in einer barocken Passacaglia. Im fünften wird über monoton trommelndem Klavierbass eine akkordisch geführte Melodie aus der rechten Hand gezaubert. Das sechste fällt durch sein pulsierendes Metrum auf, das einer ostinat aufsteigenden Linie das Fundament gibt. Lakonisch und ohne Schluss-Paukenschlag läuft das aus. Entgegengesetzt ist der Schluss der Nummer acht: ein leicht hingetupfter aufsteigender Dur-Dreiklang - ein Lächeln in Tönen. Am erstaunlichsten ist wohl die letzte der 15 Improvisationen, in welcher die rechte Spielhand tremoliert, als wärs die `Appasssionata´ von Beethoven."