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April 12 , 2013

Reviews of the Week

Acclaim from the United States for Quercus

The combination of Tabor, Warren and Ballamy creates a unique amalgam of folk and jazz elements which is highly successful because it does not attempt to pander to folk and jazz tastes simultaneously. While it blurs the boundary between folk and jazz, sensibly it allows all three musicians to be themselves and, does not attempt to "jazzify" Tabor or "folkify" the others. The songs on the album are a pleasing mixture of traditional and non-traditional, the latter including texts by Shakespeare ("Come Away Death" from Twelfth Night) and A. E. Housman (the First Word War poem "The Lads in their Hundreds," set to music by George Butterworth) plus the love songs "This is Always" and "All I Ask of You" as well as David Ballantine's hauntingly enigmatic "A Tale from History (The Shooting)." Taken together, they cover a broad spectrum of moods and emotions, with the emphasis firmly on poignancy and melancholy.
The music provided by Warren and Ballamy perfectly complements Tabor's voice, providing settings in which it can be heard to best advantage. When she is singing, they do nothing to upstage her, the pianist acting as accompanist and the saxophonist occasionally unobtrusively shadowing the voice, both adding coloration and texture. When Tabor is not singing, the instrumentalists are more effusive, Ballamy in particular; without hogging the limelight, time and again he reels off fluent melodic saxophone interludes or solos which feel entirely logical in context and always enhance the piece. The album's main showcase for Warren is the solo piano track "Teares," a delicately beautiful piece inspired by English Renaissance composer John Dowland. Altogether, a very special album, certain to be one of the year's best. More soon, please.
John Eyles, AllAboutJazz


Bobo Stenson's trio album Indicum with Anders Jormin and Jon Fält is reviewed in Frankfurter Allgemeine Zeitung

Sein Klavierspiel ist durch alle Phasen des neueren Jazz hindurch gereift und hat sich von der Dominanz der Blasinstrumente emanzipiert. Zunächst Sideman für in Stockholm gastierende amerikanische Jazzgrößen, wirkte er in den Siebzigern an Meilensteinen des frühen Garbarek-Quartetts mit und prägte in den Achtzigern die Bands des Saxophonisten Charles Lloyd und des Trompeters Tomasz Stanko. Erst mit dem Klangkaleidoskop seiner Trioaufnahme ‚Serenity’ wird Stenson selbst zum Protagonisten des Jazz. Die Fülle an Musiken, die das Trio seither assimiliert hat, umfasst skandinavische Traditionals, Kompositionen der Moderne und des Post-Bop-Jazz, aber auch Lieder, die politisch und in der lateinamerikanischen Folklore verwurzelt sein dürfen. Auf ‚Indicum’wird diese Programmatik nun um die Dimension freier Gruppenimprovisationen erweitert. Jon Fält verwendet ein minimalistisches Drum-Set, legt allerlei Spielzeug auf einen kleinen Teppich um sich herum und trommelt gern auch mit den Händen, wenn er nicht am Ride-Becken sägt. Sein Stil ist eine wunderliche Mischung aus Paul Motian und Ringo Starr. Die spleenigen Grooves, die der junge Norweger auf ‚Indigo’ oder dem Boléro ‚Indikon’ beisteuert, die Eleganz seiner Besenarbeit, insbesondere aber der stets aus innerer Notwendigkeit hervorgehende Nuancenreichtum seines Spiels schließen sich mit dem in allen Lagen singenden Kontrabass von Anders Jormin zu einem elastischen Klanggewebe zusammen. Die so in jeder Sekunde dynamisch ausdifferenziert artikulierte Klangfarbenfreude, verdeutlicht aufs schönste, wohin sich das Klaviertrioentwickelt hat. Neben zwei Stücken Jormins entfalten vor allem das demütig tänzelnde ‚La Peregrinación’ des Argentiniers Ariel Ramirez und das Kunstlied ‚Tit er jeg glad’ des dänischen Spätromantikers Carl Nielsen jene Gelöstheit, die das Album im Ganzen prägt.
Allesandro Topa, Frankfurter Allgemeine Zeitung


Transcontinental praise for Hagar's Song , the duo album by Charles Lloyd and Jason Moran

Lloyd ist ein Priester der Melodie. Einer, der sich in einzelnen Tönen festhakt, ihre Konturen ausmalt, die Oberflächen ziseliert und mit der samtigen Wärme seines Spiels anheizt – rau und zerbrechlich, tief und hintergründig. Mit Moran durchspielt er eine enorme Palette von Emotionen: Wut und Trauer, Verzweiflung und eine trotzige Form von Lebensfreude. […] In Jason Moran hat er einen idealen Spielpartner, beweglich und souverän in allen Facetten, ausdrucksstark und klug, ein Pianist, der die Fackel des Jazz ins neue Jahrhundert trägt.
Stefan Hentz, Neue Zürcher Zeitung

Breakthrough jazz usually arrives earlier in a career than later. Not with Charles Lloyd. Hagar’s Song is unquestionably the greatest recording in his prodigious output going back to the ‘60s. Yet it comes the year the flutist/saxophonist turned 75-years-old this March 15. But there’s still more to it. The 14 song collection — ranging from Duke Ellington’s “Mood Indigo” to Bob Dylan’s “I Shall Be Released” dedicated by Lloyd to the late Levon Helm — is equally one of jazz’s finest moments in the past 20 or 30 years, an incomparable cycle of lyrical blues-tinged duets resulting from the deeply intuitive rapport existing between Lloyd, who years ago espoused Transcendental Meditation and pianist Jason Moran.
Dubbed a “new master” by the New Yorker, the 38-year-old Moran’s playing binds together the two-handed style of jazz piano’s roots — given a strutting workout here in “Rosetta” by Earl Hines, arguably jazz piano’s leading virtuoso — with a contemporary inclination to soar away into abstract sound. Lloyd himself has never been one of jazz’s defining soloists but he is among its most soulful. His moaning flute playing “Hagar’s Song,” a five-part suite referring to his great-great grandmother Hagar, a slave — pulses like a beating heart.
Peter Goddard, Toronto Star


Acclaim from Germany for Songways by the Stefano Battaglia Trio

Der als junger Konzertpianist umjubelte Mailänder kultiviert eine Art Gnostizismus, der seit dem bahnbrechenden Album ‚The River of Anyder’ (2011) das Klaviertrio als rituelle Praktik entdeckt hat. Noch kein Trio hat mit solch einer ästhetischen Entschlossenheit alle musikalischen Mittel in den Dienst der Idee gestellt, stets auch die Schönheit des Klangkörpers selbst zum Thema zu machen. Auf auskomponierten Grundlagen, die durch Cluster, Leitmotive und rhythmische Gesten miteinander verschränkt sind, versenkt sich das repetitive RubatoSpiel des Trios nun auch auf ‚Songways’ in eine Welt der Interferenzen und Obertöne. Battaglias ziseliertes Spiel scheint dabei mit west-östlichen Archaismen immer wieder imaginäre Orte aufzusuchen. Auf die literarischen Angebote, die Battaglia in und mit seinen Titeln macht, wenn er uns von Homers ‚Ismaro’ zu Edgar Allan Poes überpünktlichen Schildbürgern in der Erzählung ‚Vondervotteimittis’ führt, sollte man sich einlassen: weil Lektüre und Klangerfahrung sich wechselseitig schärfen und weil man so viel tiefer in die poetischen Quellen eintaucht, aus denen sich Battaglias wundersames Schaffen speist.
Allesandro Topa, Frankfurter Allgemeine Zeitung


American website AllAboutJazz on Iva Bittová's ECM debut as a leader, Iva Bittová

The catch-all term ‘avant-garde’ is often used to describe singer/violinist Iva Bittová's music, but in truth her musical language—kaleidoscopic in color and unique in presentation—is essentially unclassifiable. A well known actress, Bittová expanded her horizons to music in the early eighties, since when she's bounced from Bartok to experimental rock, and from folk-influenced jazz to her collaboration with innovative New York ensemble Bang on a Can. Bittová's eclecticism is evident on her debut as leader for ECM, an intimate solo performance where her voice blends with violin and kalimba in an intoxicating brew that is both ethereal and invigoratingly rootsy.
The dozen tunes—simply titled Fragments I-XII—cover broad impressionistic ground, and whether accompanied by kalimba or violin, or singing solo, Bittová's emotive language stems from the depths of the human soul. Violin colors the majority of the tracks, but more than an accompanying instrument, it's an extension of Bittová's voice and of her Moravian heritage, both classical and gypsy. [...] The allure of Bittová's music lies in her disregard for convention and in her all-encompassing musical vision. There's wicked beauty in the spells she casts.
Ian Patterson, AllAboutJazz


The Reinventions by Stefano Scodanibbio, recorded by the Quartetto Prometeo, enchant German critic Oswald Beaujean

Egal ob es um Bachs Contrapuncti, die spanischen Gitarrenstücke oder die mexikanischen Lieder geht, was Scodanibbio aus ihnen machte, ist mit dem Begriff Bearbeitung im Kern kaum getroffen. In der zeitlichen Dehnung und klanglichen Verfremdung handelt es sich tatsächlich um Neuerfindungen von Musik, um fragile, delikate Wiederentdeckungen, die silbrig, geheimnisvoll, gläsern, seltsam traurig und tröstlich zugleich wie im Traum aus einer fernen Welt herüber wehen.
Das Quartette Prometeo realisierte diese wunderbaren 65 Minuten Musik ein Jahr vor Scodanibbios Tod mit atemberaubender Klangkultur, Raffinesse und Hingabe. Die enorme Erfahrung mit zeitgenössischer Musik ist jedem Ton dieser CD ebenso anzuhören wie die Liebe, mit der die vier italienischen Musiker hier zu Werke gingen. Eine musikalisch großartige, emotional anrührende Veröffentlichung.
Oswald Beaujean, BR Klassik