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May 10 , 2013

Reviews of the Week

Chants, the new recording by the Craig Taborn Trio, impresses reviewers in Switzerland and the US

Was macht Craig Taborns CD «Chants» so aufregend anders als die anderer Piano-Trios? Wir können diese Musik sezieren, ihre Formen beschreiben, die Ostinati, die gleitenden Harmonien, die komplexen metrischen Brüche und Überlagerungen, die Art, wie gelegentlich die Linke des Pianisten und der Bass sich in mächtigen Unisono-Passagen finden und so weiter – und wir verpassen doch die Antwort wie die Chirurgen des 18. Jahrhunderts die Seele, nach der sie in den Leichen auf dem Tisch ihrer anatomischen Theater suchten. Wie Taborn «Jazz» insgesamt nicht für einen Stil (oder eine Summe von Stilen) hält, sondern für eine Haltung, sind ihm alle Finessen nur Details, Mittel für einen «Sound». Der meint bei ihm keine modische Banalität, sondern, ganz altmodisch, Zusammenklang, Einklang, Klangraum. Er spricht nicht von changes, entwirft keine scales oder modes und stellt, bei aller gelegentlichen Vertracktheit, keine metrischen Rechenaufgaben. Er spricht von Timbres, Färbungen, Obertönen – vom Klang dieses hochintegrierten und organischen Trios mit Thomas Morgan (Bass) und Gerald Cleaver (Drums). Auch das Piano sieht er zuerst als «Klangquelle». Das hängt unter anderem damit zusammen, dass er parallel zu seiner pianistischen Bildung schon früh Erfahrungen mit Synthesizern machte. Was ihn nie hinderte, den Nuancen des akustischen Instruments nachzuspüren, im Gegenteil. Nach einer schönen Solo-CD ('Avening Angel', 2011) ist dieses Trio Taborns Opus 2 bei ECM (unter eigenem Namen). Es entwickelt einen magischen Sog, einen Klangzauber im Wortsinn. Eine improvisatorisch offene Meta-Form oder Meta-Sprache (sagt Taborn doch auch, er sei auf der Suche nach einer "speaklike Improvisation"). Was diese Musik gleichzeitig so fesselnd und so rätselhaft macht, ist ihre irisierende/irritierende Vielschichtigkeit. Sie entwickelt sich, wie alle grosse Kunst, auf mehreren, mal getrennten, mal sich ineinanderschiebenden Ebenen. "How can you be free and still hold the structure?", ist Taborns zentrale Frage. Die Antwort: so eben – im Kollektiv mit so fabelhaften Partnern.
Peter Rüedi, Die Weltwoche

Drummer Gerald Cleaver has been one of Taborn’s closest collaborators over the decades. Their almost telepathic understanding forms the bedrock of the loose yet complex interplay so prevalent here. Even newcomer Thomas Morgan has filled the bass chair for eight years now and consequently has firmly carved out his niche in the ensemble. The band’s strong suit comprises those dazzling headlong passages of interlocking patterns that open and close the disc, where Taborn lays down an insistent substructure with his left hand, embellished by bass and drums while expounding sparkling contrapuntal runs with his right. Elsewhere his themes are often merely sketched, haikus upon which the ensemble can meditate in egalitarian exchange. Cleaver revels in elaborate crossrhythms overlain with asymmetric cymbal coloration while Morgan is as likely to be the melodic lead as the pianist. [...] Taborn has fashioned a thoroughly compelling statement, which gets better on each listen and one that will surely fuel even more thrills in concert.
John Sharpe, New York City Jazz Record


Acclaim from German magazines for Quercus, the trio project of June Tabor, Iain Ballamy and Huw Warren

Folk und Jazz sind zwei verschiedene Genres? Man möchte es kaum glauben, wenn man diesen drei Musikern, die so wunderbar auf einer Welle funken, bei ihren Exkursionen folgt. Frisch Komponiertes säumt den Weg, aber auch Klangkunst mit Jahrhunderte alten Wurzeln. Auch diesen Gegensatz bemerkt man übrigens nicht, wenn man der Performance lauscht. Denn die drei Feingeister aus Großbritannien haben die Harmonie nicht nur ganz oben auf ihre musikalische Werteskala gesetzt. Sie besitzen auch das Geschick, dieses Ziel mit Leben zu füllen. Ein Balladenprogramm von ungewöhnlichem, zeitlosem Zauber ist das Resultat. Quercus - das sind die erfahrene und stilistisch sehr flexible britische Folk-Sängerin June Tabor, der improvisationsfreudige Engländer Iain Ballamy, der mit seinen Saxophonen unter anderem im Trancejazz-Duo Food (‚Mercurial Balm’) brilliert, und der Waliser Huw Warren, der am Flügel einer Romantik ohne Sentimentalität huldigt. Diese drei nun mäandern souverän zwischen Liedform und Skizze, geben Eigenes zum Besten (‚Near But Far Away’ oder ‚Teares’, inspiriert durch John Dowland) oder machen sich historisches Material zu eigen (‚As I Roved Out’, ‚Lassie Lie Near Me’, ‚Come Away Death’), ohne – siehe oben – im Entferntesten altertümlich zu klingen.
Matthias Inhoffen, Stereoplay

Hier sind keine Folkies am Werk. Ballamy kommt von Django Bates und Bill Bruford’s Earthworks; heute leitet er mit Thomas Strønen das experimentelle Projekt Food. Quercus (lat.: Eiche) ist also ein Trio, das von britischen Folk-Roots aus bis in die feinen Verästelungen zeitgemäßer Improvisationsmusik vordringt. […] Faszinierend, wie sich Ballamys weiches Tenorsaxofon an June Tabors Stimme schmiegt, wenn beide a capella Shakespeare ‚singen’, bis das Klavier einsteigt (‚Come Away Death’). Ganz pur, ganz ohne Begleitung gibt Tabor ein Traditional (‚Brigg Fair’), und für einen Moment möchte man nichts hören als nur diese Stimme.
Berthold Klostermann, Stereo


Hagar's Song, the duo album by Charles Lloyd and Jason Moran, fascinates the reviewer from Jazzweekly.com

If you’ve been waiting for, oh, say half a century, for a logical follow-up to John Coltrane’s classic Ballads album, you’ve finally got your prayers answered. This collection of duos between Charles Lloyd and pianist Jason Moran is one of the most intimate musical conversations you’ll ever come across. Consisting mostly of tunes that are familiar to us through either jazz or pop radio, it’s centerpiece is a thrilling “Hagar Suite” that musically captures the life of Lloyd’s great grandmother. Using flute and alto sax as well as his normal tenor on this suite, Lloyd melds with Moran’s piano and percussion to tell stories that sound like flights to freedom and heartfelt pleading. [...]. This is music by a man that is sage-like in what he has seen and felt, and only one like this can tell a story like he’s lived it.
George W. Harris, Jazzweekly.com


In Full View, the first album by the newly formed Julia Hülsmann Quartet, is reviewed in Austrian magazine Kultur

Nach zwei Trio-Produktionen mit dem Bassisten Marc Muellbauer und Drummer Heinrich Köbberling hat sie nun den ebenfalls in der deutschen Metropole lebenden britischen Trompeter und Flügelhornisten Tom Arthurs mit an Bord geholt. Dieser sorgt mit seinem wunderbar lyrischen Ton nicht nur für zusätzliche melodische Highlights, sondern hat auch zu einer eindrucksvollen Konzepterweiterung geführt, die etwa Julia Hülsmanns Pianospiel durch die Interaktion mit einem zweiten Melodiker gänzlich neue Horizonte eröffnet.
Peter Füßl, Kultur


Downbeat on Songways by the Stefano Battaglia Trio

Listening to ECM veteran pianist Stefano Battaglia and his trio on Songways, the words that come to mind suggest visual more than musical references. When there is movement, it is like shadow wafting across on otherwise unchanging landscape. More often, the sound hangs in the air, a suspension of fifths, spare drum taps and cymbal rolls, with isolated bass notes delineating a slow flow of chords, passing like clouds. The picture, or the music, is breathlessly beautiful. There’s ample open space, thanks to Battaglia’s extremely restrained performance. This makes every element in the mix as critical as each dot in a Georges Seurat composition. You hear every cymbal ting, muffled tom thumb and tiny bell chime played by drummer Robert Dani; on ‘Vondervotteimittis’ and elsewhere, he adds something metallic across a couple of inches of concrete floor. Their mystery adds a small but dramatic color to the trio’s overall palette. [...] More often, in Battaglia’s bare-bones accompaniments or exotically evocative themes on pieces such as the Iberian-inflected ‘Ismaro’, it feels more like listeners are on a hilltop, taking in the panorama on a windless day – or taking the time at a gallery to appreciate a painting, enigmatic but beautiful. That is never a bad place to be at all.
Bob Doerschuk, Downbeat


Arvo Pärt's Adam's Lament is reviewed in the American Record Guide

This is an exquisite program. The centerpiece is ‘Adam’s Lament’ , a 24-minute work for chorus and orchestra inspired by poetic writings of Staretz Silouan (1866-1938), a Russian Orthodox monk whose words describe Adam’s pain after his expulsion from paradise. Pärt closes the work in perfect union with his sainted librettist, who wrote: ‘I, too, have lost grace, and with Adam I cry, be merciful to me, Lord. Give me the spirit of humility and love.’ The score delivers some of the most, delicate, transparent and heartfelt music of Pärt’s distinguished oeuvre. [...] Maestro Kaljuste’s choirs and orchestras are superb, and ECM catches it all in handsomely reverberant sound.
Philip Greenfield, American Record Guide