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August 29 , 2014

Reviews of the week

Early international reactions on Silk and Salt Melodies by the Louis Sclavis Quartet

This latest album from the 61-year-old Lyon-born composer featuring his use of both clarinet and bass clarinet was recorded in France back in March and features members of his Atlas trio, guitarist Gilles Coronado and pianist Benjamin Moussay, who appeared on ‘Sources’, joined here in something of a twist by Iranian percussionist Kevyan Chemirani playing zarb (goblet drum) among his choices. The concept of the album is for the music all composed by Sclavis sometimes utilising Iranian rhythms to take an imaginary nomadic central Asian route. It follows an incantatory and stimulating direction with at times challengingly stark themes that have a certain unselfconscious grandeur to them, take ‘L’homme sud’ for instance, that more than carry the listener along.
Stephen Graham, Marlbank

Silk and Salt Melodies speaks to Sclavis' years of shaping a world view, unique stylization and his belief that improvisation is not a free-for-all but a discipline integral to telling a story. […] Now reunited with the Atlas Trio partners who created the excellent ‘Sources’ (ECM, 2012), guitarist Gilles Coronado and pianist Benjamin Moussay are joined by percussionist Keyvan Chemirani on ‘Silk and Salt Melodies’. The Iranian native conveys a new aspect not only in his use of some unusual regional instruments but in his distinctive approach to beat cycles and rhythms. Chemirani's presence is a good fit with Sclavis' proclivity for pursuing global inspirations. […] ‘Silk and Salt Melodies’ is the manifestation of Sclavis' vision of a surreal and exotic journey but on a less analytical level it is an appreciation of musicianship. Sclavis' clarinet can sound as deep and resonant as a double bass. He can uncannily mimic the folky sound of an accordion or play as boisterously as reed player Peter Brötzmann. Putting ‘Silk and Salt Melodies’ in the context of Sclavis' larger body of work is somewhat irrelevant; he builds, incorporates and moves on. It's a good philosophy for listening as well.
Karl Ackermann, All About Jazz

Die von Sclavis komponierten, an Texturen und Einflüssen reichen, faszinierend verwobenen Stücke sind oft ätherisch angelegt, als wollten sie die Einsamkeit von Landschaften beschreiben, die sein Quartett durchwandert, immer die Seidenstraße entlang. Aber es gibt auch diese Momente großer Lebendigkeit, die nach schierem Abenteuer klingen. Die Musik verdichtet sich dramatisch. Man wird schnell zum Zuschauer in diesem Hörfilm, der da vor dem inneren Auge abläuft. Streckenweise großes Kino.
Ssirus W. Pakzad, Jazzthing


Joy In Spite Of Everything by the Stefano Bollani Trio with Mark Turner and Bill Frisell is reviewed in Switzerland and England

Bollani ist ein origineller Komponist und quirliger Improvisator. Hier spielt er sich jedoch nicht in den Vordergrund. Er gibt seinen Mitstreitern viel Raum und entfaltet ein Prisma der Stille: Das Titelstück ist ein gelassener Calypso, ‚No Pope No Party‘ erinnert an Thelonious Monk, andere Stücke zeigen lateinamerikanische und nordafrikanische Einflüsse. Stets zeigt Bollani sich als Musiker, der Intellekt und Sinnlichkeit zu verbinden weiss. Seine Musik hat einen melancholischen Grundton, ist aber keineswegs ohne Humor. Auch wenn der Leader seinen Spielkameraden viel Raum lässt, behält er die Fäden in der Hand. Dicht ist die Textur dieser Musik. Frisell und Turner improvisieren höchst inspiriert. Ein Glücksfall.
Manfred Papst, NZZ am Sonntag


A gorgeous album of modern jazz with all five players interacting in the most natural way. One of the album’s decatees is Teddy Wilson, and while the elegant swing-era pianist is not the most obvious hero for the flamboyant Italian, in fact they share that rare ability to convey great meaning with the lightest of touches and a smile in the music. The title says it all.
Peter Bacon, Birmingham Post


German magazine Jazzthing on Karen Mantler's Business Is Bad

Nun schenkt sie uns in absolut entschlackter Besetzung neun neue Songs über die Unwägbarkeiten des Lebens, die einen anfechten, aber nicht umhauen. Mit neckischer, pseudonaiver und mädchenhaft klarer Stimme tut das die 48jährige, irgendwie ‚very british‘, wie ein feminines Gegenstück zu Robert Wyatt. Dazu setzt sie punktgenau die Klaviertöne oder die Linien ihrer chromatischen Harmonika. Bassist Kato Hideki und Gitarrist/Bassklarinettist Doug Wieselman sind ideale Partner für dieses schlagzeuglos luftige, sehr transparente, lässige Songwriting ganz eigener Art, die nicht larmoyant ist, sondern voll von hintergründigem Trotzdemhumor.
Ulrich Steinmetzger, Jazzthing


Swiss daily La Liberté on El Valle de la Infancia by the Dino Saluzzi Group

Une musique de chambre presque classique, d’une grande richesse mélodique, doucement swingante et intensément poétique, qui puise son inspiration aux sources du folklore de l’Argentine du Nord mail laisse suffisament d’espace pour les excellents improvisateurs que sont José Maria Saluzzi (guitar) et Felix Saluzzi (saxophones et clarinette). Enchanteur!
Eric Steiner, La Liberté


Acclaim from Germany and the United Kingdom for Harrison Birtwistle’s Chamber Music

Das Ergebnis ist nicht nur ein Solitär der Repertoirepolitik. Es ist ein spektakuläres Konzept-Album darauf geworden: Ein Gedicht! Ein Geschenk! Ein Kunstwerk für sich! Amy Freston singt die zwölftönigen, zerbrechlich-süßen, minutenkurzen Rätsel-Lieder nach Texten von Lorine Niedecker mit ihrer kleinen, weißen Pierrot-Stimme wie eine Schlafwandelnde im Traum. Ihr einziger Begleiter, der Cellist Adrian Brendel, gibt gut darauf acht, dass sie nicht abstürzt: bietet ihr zuverlässig feste Stütztöne in der Tiefe an, wirft feine Rettungsseile aus, die hohen Kantilenen im Diskant-Echo voraus- oder nachspinnend. Danach begleitet Brendel, gemeinsam mit dem Pianisten Till Fellner, den Bariton Roderick Williams durch die Rilke-Meditationen Birtwistles, genannt ‚Bogenstrich‘, komponiert 2009 zum Geburtstag für Alfred Brendel. Herzstück dieses Albums aber ist das Klaviertrio von 2011, das so irreführend klassisch anfängt mit durchbrochener Arbeit, zusteuernd auf einen ostinaten, linkshändigen Höhepunkt
Eleonore Büning, Frankfurter Allgemeine Zeitung

The sinewy melodic lines of the cello and soprano in the first of the three settings of Lorine Niedecker are exquisitely performed by Amy Freston and Adrian Brendel. In this and in numbers 2 and 3, Birtwistle’s beautifully shaped contours are presented in perfect and equal balance between voice and instrument. I am sure that Elliott Carter must have been very pleased with this 90th birthday tribute from Birtwistle in 1998. The remaining nine songs were composed two years later in 2000 for the Nash Ensemble. The first of these is delivered by Amy Freston with a pure and lovely tone as well as perfect intonation, accompanied by a gentle, pizzicato cello. […] Meticulously detailed dynamics, articulation, modes of attack, phrasing and expression are also features of the fine cello playing. The songs are very brief and I am reminded of Webern, a hero of Birtwistle. […] The ‘Trio’ begins with aggressive little phrases from the piano answered by the violin and cello which often play as a duo whilst the piano uses different, complementary material. Soon we hear flowing and attractive melodic lines but always with an undercurrent of mystery and suspense. […] Lisa Batiashvili on violin, Adrian Brendel on cello and the pianist Till Fellner exploit to the full the expressive possibilities of this work in terms of melody, rhythm, dynamics and articulation. The three players expertly build their climaxes and fall to points of repose together as one and I feel certain that so much rehearsal and preparation time must have been allocated to achieve a performance of this quality. As in the first piece on this disc, the recorded balance is excellent. […] This is an excellent addition to the Birtwistle discography. The performances couldn’t be bettered and the recorded sound and balance are superb.
Geoffrey Molyneux, Music Web International


A German reaction to Heinz Holliger's Aschenmusik

Auf der aktuellen CD, mit der Holliger zum 75. Geburtstag gratuliert wird, finden sich diese sechs ‚Romancendres‘ wieder. Diesmal haben sich die beiden jungen Musiker Anita Leuzinger (Violoncello) und Anton Kernjak (Klavier) in die kargen, äußerst zerklüfteten und geheimnisvollen Klanglandschaften vorgewagt, die Holliger in Anlehnung an die verbrannten Schumann-Manuskripte als eine Art ‘Aschenmusik‘ bezeichnet. In welchem Kontrast stehen dazu die ausgewählten Kammermusikwerke Schumanns, bei denen Holliger mit seinem unvermindert erlesenen Oboen-Atem betört. Das gilt für die ‚Drei Romanzen‘ genauso wie für die ‚Sechs Stücke in kanonischer Form‘ in einer leicht veränderten Trio-Bearbeitung von Schumann-Freund Theodor Kirchner. Als besondere diskografische Entdeckung darf zudem Schumanns 1. Violinsonate in einer von Schumann abgesegneten Version für Cello und Klavier gelten.
Guido Fischer, Rondo


US magazine Listen on John Holloway's Pavans and Fantasies from the Age of Dowland

The centerpiece of this fifty-minute program is John Dowland’s ‘Lachrimae Pavans’, a series of seven pavanes based on his own song ‘Flow My Tears’. Scored by Dowland for five viols and lute, they are transposed here for four violas and bass violin by the marvelous Baroque violinist John Holloway, and so offer a more varied tonal palette. […] the overall sense of melancholy is gloriously overwhelming. Dowland has split his harmonies with bitter dissonances at times – the sting of sadness is part of the experience, not just the drear. The music is so achingly beautiful that, oddly, it doesn’t have the same effect as, say, Shostaikovich’s wrist-slashing last quartet, and Holloway’s has broken up the seven Dowland pieces, placing another work of the period by different composer between each. Some are, if not exactly cheerful, at least in a different mode and style […] a ravishing listening experience, exactly the right length, played and recorded stunningly.
R. L., Listen